Curso Online de BARROCO EUROPEU

BARROCO EUROPEU PINTURA

BARROCO EUROPEU

Caravaggio (1571-1610)

Michelangelo Merisi da Caravaggio
Arte que reflete a vida de seu criador, os quadros de Caravaggio contêm traços dessa existência intensa e turbulenta, apresentando cenas religiosas com violência e crueldade
forte contraste entre os fundos escuros (as "trevas") e os personagens banhados por uma luz que incide forte e dramática, típico da técnica do "claro-escuro", é a principal característica das obras do artista, marcadas também por um forte realismo na caracterização dos personagens, suas vestes e objetos que os cercam.

O Tocador de Alaúde, de 1595

Um jovem rapaz de beleza feminóide e sensual. Com a pele bem clara, olhos negros como se estivesse olhando á uma direção, com o rosto de feições delicadas, cabelo ondulado possuindo uma faixa branca, a mesma cor de sua blusa. Utiliza do jogo de cores, escuro e claro, em sua obra, pois percebe-se o quarto ao fundo muito escuro, e sobrepondo este, o tocador, como se existisse algum feixe de luz sobre ele,

Os Músicos, de 1595

O que mais chama a atenção são as expressões faciais, principalmente da figura central, onde temos a impressão que a música que está sendo tocada é triste, pois percebemos no rosto do garoto expressões de choro, de emoção, o que fica mais evidente ainda com o uso da cor vermelhada para a pele do rosto localizada abaixo das bochechas e os olhos levemente caídos.
Curiosamente especula-se, dado o grande realismo da obra, que a figura central tocando madrigal foi um companheiro de Caravaggio chamado Mario Minniti e a figura entre a de primeiro e segundo plano é um autorretrato do próprio Caravaggio.

A Ceia em Emaús, de 1601

A Ceia em Emaús consiste na aplicação de um fundo escuro, e em partes está completamente negro.
Apresenta focos de luz sobre os detalhes, predominantemente no rosto de Jesus. Aparentemente, a cena desenrola-se em uma casa onde eles estão sentados em uma mesa quadrada e pequena, conversando. Nesta mesa encontram-se pães, garrafas, e comidas. Na obra, estão representados três homens sentados a mesa, dois deles estão com braços abertos como se tivesses assustados e um em pé com o rosto bem calmo com o de Jesus. Jesus aparece com uma expressão de que esta conversando ou aconselhando seus discípulos, e ao mesmo tempo repartindo a comida

Descida da Cruz, produzido entre 1600 e 1604

Caravaggio não descreve realmente o enterro ou a descida da cruz na forma tradicional, porque Cristo não é representado no momento em que é baixado ao túmulo, mas quando, na presença das mulheres santas, é colocado por Nicodemos e João na pedra de 'Unção, ou seja, a lápide que irá fechar o túmulo. Em torno do corpo de Cristo, temos a Virgem, Maria Madalena, João, Nicodemos e Maria de Cléofas, que levanta os braços e olhos para o céu em um gesto de alta tensão dramática.

São Mateus e o Anjo 1602, destruída em 1945

Nela vemos o apóstolo S. Mateus a ler as escrituras. O anjo serve de orientador a essa leitura, o que é mostrado de um modo muito direto pelo pintor – a mão do arcanjo está pousada sobre a do apóstolo e condu-la.

O Martírio de São Lourenço (foi recentemente atribuída a Caravaggio)

"Não é um Caravaggio, mas não deixa de ser muito interessante. O contraste da luz indica com toda segurança que pertence à escola de Caravaggio", afirmou Mina Gregori, professora da Universidade de Florença e presidente da fundação Roberto Longhi durante uma apresentação da obra em Roma.
"Caravaggio é mais elegante", acrescentou.

Estilo artístico de Rembrandt

– Na primeira fase de sua vida artística (1625 – 1630), Rembrandt abordou temas religiosos e alegóricos. Nesta fase, o detalhismo fez muito presente em suas pinturas.
– Na primeira metade da década de 1630, Rembrandt abordou temas mitológicos, cenas da Bíblia e paisagens naturais. Suas obras neste período são marcadas pelo formato ampliado e contrate alto;
– Na década de 1640, o pintor passou a dar um tom mais sombrio às suas pinturas. O formato reduziu de tamanho.
– Na década de 1650, Rembrandt foi para um estilho mais detalhado e fino. Com cores fortes, retratou personagens bíblicos de forma individual.
– Nos últimos anos de sua vida, Rembrandt pintou autorretratos.

Cristo na Tempestade no Mar da Galiléia, a única obra marinha de Rembrandt, 1633. Roubado em 1990.

A luz revela a tragédia e o perigo, os homens lutando contra a tempestade, enquanto do lado direito outros apóstolos pedem que Cristo faça alguma coisa. A tempestade está furiosa e o pânico toma conta de todos. O único homem que parece estar calmo é Jesus, sentado com semblante tranquilo, todos os outros personagens estão em movimento, mesmo os que estão rezando parecem fazer força para apertar as mãos. No entanto, o desespero dos discípulos pedindo um milagre parece estar pressionando a Jesus. O momento em que o artista representa a história é o instante da súplica, em que a fé dos apóstolos é testada, segundo nos conta o capítulo 4 do Evangelho de Marcos.

A Lição de Anatomia do Dr. Tulp

Em sua composição, o artista representa oito personagens e um cadáver. Existem suposições de que duas das figuras, a da esquerda e a que se situa num plano mais alto, foram acrescidas depois da obra pronta, assim como a lista, onde se encontram os nomes dos participantes, vista na mão de uma das figuras.
Antes de pintar os modelos presentes na composição, Rembrandt convidou-os, individualmente, para serem retratados em seu ateliê, mas o braço dissecado do corpo foi pintado durante a autópsia, sendo, portanto, a obra uma montagem, já que foi feita em duas partes isoladas. Talvez, por isso, alguns olhares se mostrem desfocados do corpo em estudo.